Desnudando 'Vogue Like a Painting'

“Puede que estos dos cuadros no peguen mucho en esta exposición, pero he vivido mucho tiempo en Japón y no puedo evitar meter en cada uno de mis trabajos un toque asiático"

Así, escuchando esto en la sala contigua, descubrí que aquella mujer de treinta y tantos que hablaba con acento inglés no era una guía del museo, sino la mismísima comisaria de la exposición Vogue Like a Painting.

'Lata 65', abuelos grafiteros con bastón

 En una mano el bastón; en la otra el spray. 

Así se acercan ‘Lata 65’ a los muros. Despacio, con cautela y luciendo una mascarilla blanca en la boca, como auténticos grafiteros de barrio. Muchos rondan los 80 años, pero cada paso que dan hacia la pared, es un año que se quitan de la espalda. Rejuvenecen ellos y rejuvenecen la pared con sus colores. Un toma y daca.

Entrevista a Andy Warhol, el loco que tocó con los dedos la genialidad.

Como no podía ser de otra manera, Andy me citó en La Fábrica. Había visto mil veces este lugar en fotos, pero en persona me pareció incluso mejor. Las paredes cubiertas de papel de estaño y los espejos rotos me miraban de frente y parecían no ser conscientes de lo que habían presenciado durante algunos años. Estaba allí, sentada en uno de los sillones de The Factory, el escenario de creación no sólo de obras legendarias sino de performance, encuentros y fiestas que superan exponencialmente cualquier episodio de Gandía shore.

Graffiti Pop de la mano y los sprays de Antonio de Felipe.

-          ¡Mira! ¡ven! ¡Mira qué bonito este! Qué guapa la chica esta ¿eh?, madre mía.

-          ¡Uy sí! Le brilla hasta el collar. Mira que bien hecho está, Pili.

Puede que las señoras que se reunían delante del cuadro no supieran que la chica guapa era Charlize Theron, ni tampoco que es la protagonista del anuncio de J'adore de Dior o que el cuadro es una versión del Adele Bloch-Bauer de Klimt, sin embargo la estética, los colores, el collar o lo qeu fuera, les hizo pararse y disfrutar como las que más de la obra. 

FRANCISCO BORES. El encargo de pintar una siesta.

Hace casi 70 años, Francisco Bores, pintor Español de la llamada Nueva Escuela de París, recibió un encargo del crítico y editor Tériade. El encargo consistía en ilustrar el poema de “L’apres-midi d’un faune” que Stephane Mallarmé había escrito hace 78 años.

Bores no se lo pensó y aceptó el reto. Sin embargo, nadie dijo que fuera a ser fácil. El libro, que había de tener 84 páginas no llegó a concluirse. La guerra y ocupación que Francia vivía en 1943 dieron lugar a grandes problemas económicos que hicieron imposible la publicación del libro.

Aun así, el Círculo de Bellas Artes de Madrid ha recuperado 73 de las más de 200 piezas que componían el poema y nos las muestra en la Sala Goya de su primera planta hasta el 20 de enero de 2013.

Francisco Bores, muy integrado en su Madrid natal, se formó en la academia de Cecilio Pla y en las tertulias de los cafés madrileños. Se identificó plenamente con los artistas y poetas afines al ultraísmo y con los pertenecientes a la generación del 27. Esta afinidad se va a plasmar en sus obras a lo largo de su carrera, que se desarrollará en su totalidad a partir de 1925 cuando se traslada a París, donde se relacionará con grandes figuras como Picasso, Juan Gris o Matisse.

Fue allí donde recibe el encargo de ilustrar el poema de Mallarmé. Los dibujos los realizó en el taller de Mourlot, en la calle de Chabrol de París, donde habían trabajado y se habían formado artistas como Picasso.

Mallarmé, autor del poema que Bores debía representar decía que “es mejor pintar no la cosa, sino el efecto que produce”  Y es precisamente de lo que Francisco Bores se encargó. Sus dibujos no quieren plasmar la escena que el poema describe, sino el sentimiento que produce al leerlo. Pretende transmitir, a través de sus pinceladas, sensaciones, emociones y sentimientos.

Lo consigue con unos dibujos originales e inundados de un estilo ultraísta; importancia de la metáfora frente a la lírica, imágenes ilógicas, casi surrealistas, síntesis de varias imágenes en una…

Consigue transmitir también, gracias a la originalidad y mezcla de diferentes herramientas y técnicas. Utiliza en un mismo dibujo lápices grasos y lápices de grafito, a la vez que acuarela y tinta china. No solo es en el dibujo donde mezcló técnicas y herramientas, sino que incluyó caligrafía y fragmentos del poema en sus obras con caligrafía manual, impresa y tipográfica.

No es el único libro que Bores ilustró. Se encargó también de la ilustración de “El llanto por la muerte de Sánchez Mejías” de Federico García Lorca. Y Mallarmé no inspiró solamente a Bores con su poema, ya que sirvió de inspiración a Debussy para su pieza musical “Preludio a la siesta de un fauno”

Dos artistas distintivos reunidos en pleno comienzo de la Gran Vía Madrileña. 

(La exposición acaba el 20 de enero; por eso os dejo este pequeño resumen aquí, para quien se lo haya perdido y le hubiera podido interesar:) )

EL NIÑO DE LAS PINTURAS

“Érase una vez un pequeño niño perdido. Buscaba bajo las piedras y tras su sombra pero nunca se encontraba. Jugaba con las estrellas y susurraba a las nubes secretos que guardaba el viento. Preguntaba a las montañas más altas y a los viejos más viejos, pero nadie le daba respuesta.

Un día saltaba de planeta en planeta recogiendo sueños cuando tropezó con una lata que sonaba a cascabel. La cogió y pulsó su cabeza, y una gran llama de color lo inundó todo y ya el suelo no era suelo ni el cielo cielo, todo era color, el color era todo. Lo miró y perdió su vista en él. El niño estaba maravillado. De repente un brillo le hizo cerrar los ojos, y cuando los abrió vio un pequeño niño frente a él, mirándole.

— ¿Quién eres? — le preguntó. El pequeño niño sonrió y tocó su mano.— Soy tu sonrisa — dijo suavemente mientras se convertía en luz y se fundía con su brazo, con su hombro, con él. El pequeño niño perdido suspiró y miró arriba, sonrió y sintió al viento decirle algo bonito.

Desde aquel día el niño sigue saltando de planeta en planeta cazando sueños y dando color a su camino, y de esta manera se refleja. Se busca.

Se encuentra.”

Y resulta que aquel niño pequeño perdido se llamaba Raul Ruiz, más conocido como El niño de las pinturas (o SEX, que es como en ocasiones firma). Nace en Madrid en 1977 , pero su hogar es Granada y vive allí actualmente. El Realejo de Granada es su lienzo y las paredes están plagadas de sus colores y frases.

Quien haya visto una obra de El niño, ya es capaz de reconocer las demás. Tiene un estilo claro y definido, y si no hubiese firma en sus obras, se adivinaría por sus trazos y colores que El niño de las pinturas ha estado ahí.

Sus obras parecen trozos sacados de sueños y plasmados con spray en la pared. Son imágenes de rostros, primeros planos, la infancia, la adolescencia, la vejez… Transmite sensaciones, fusiona colores y completa sus obras con frases reflexivas o poemas que hacen que el espectador quede cautivado.

Ha hecho colaboraciones (Ojos de brujo, por ejemplo) intervenciones internacionales y murales por encargo. Cuadros, paredes, telas portátiles en bicicletas, (el arte se mueve) patines... para Raúl Ruíz cualquier superficie es buena para llenarla de color y eliminar el triste gris que cubre las calles.

Una anécdota a la que suele hacer referencia, muestra la contracción y dilema del arte urbano; El niño de las pinturas fue galardonado como artista del año sin embargo, a la semana siguiente recibió una multa de 900 euros por la misma intervención por la que fue premiado. Premiado y multado por una misma obra, sí. He aquí el doble filo del graffiti. Belleza y arte VS ilegalidad.

Más fotografías de arte urbano en: http://patriciamunoz.smugmug.com/

LEWIS HINE, EL FOTÓGRAFO DE LA REALIDAD SOCIAL.

 "Quise hacer dos cosas: Quise mostrar lo que había que corregir;

quise mostrar lo que había que apreciar" Lewis Hine

Lewis Hine nace en Wisconsin en 1874. Estudió sociología y ejerció como profesor en la Ethical Culture School, donde animaba a sus estudiantes a utilizar la fotografía como un medio educativo.

Su primera compañera de viaje fue una sencilla cámara de fuelle de 13 x 18 cm, trípode inestable y flash de magnesio. 

Entre 1904 y 1909, acompañado de ella y algunos alumnos, viajó a la isla de Ellis, donde, a través de su objetivo, mostró la realidad de los inmigrantes que llegaban a Estados Unidos en busca de una oportunidad. Es en ese preciso momento, cuando Hine cayó enamorado de la fotografía y supo que su vocación era el fotoperiodismo.

Su trabajo supone un importantísimo material documental del tránsito del siglo XIX al siglo XX, sobre todo en un ambiente industrial. Ninguna de sus fotos es banal, sino que en todas y cada una de ellas narra algo. Muchas, destacando aquellas realizadas en las primeras etapas, están enfocadas a denunciar la situación del trabajador y erradicar el trabajo infantil.

Pero Hine no solo tomaba la imagen, sino que era parte de ella y acompañaba a los protagonistas en su vida diaria. Su preocupación por la realidad social de esos inmigrantes hizo que fuese más allá de las fronteras de la isla de Ellis y se metiera en las viviendas insalubres de los fotografiados, sus costumbres, sus condiciones de trabajo…

Le obsesionaba transmitir historias individuales. No quedarse en la imagen de aquella persona sino interactuar con él, seguir su recorrido y contar su historia. Continuar narrando con la imagen. 

Es eso quizá, una de las claves que explican la fuerza de sus imágenes: Retratos frontales, tomadas a la altura de los ojos, donde las miradas entre fotógrafo, cámara y fotografiado se cruzan.

En 1908 comenzó a trabajar como fotógrafo oficial para la National Child Labor Committee, organización creada para combatir con el empleo infantil. Junto a las fotografías, Hine anotaba la altura, edad y la historia laboral de cada uno de ellos mostrando, una vez más, su obsesión y preocupación de no quedarse en la mera fotografía sino conocer y mostrar la historia del protagonista.

Más tarde, tras la primera Guerra Mundial, Hine viajó a Europa acompañado de su cámara para dar testimonio de las duras condiciones de los refugiados y desplazados por la guerra, lo que ayudó a que La Cruz Roja obtuviese subvenciones para una labor humanitaria.

 

En 1919, regresa a Nueva York y vuelve a centrarse en el mundo laboral, pero esta vez desde un punto de vista más positivo, viendo al trabajador como parte esencial de la máquina. Un ejemplo es la fotografía “Mecánico de una central” de 1920, en la que aparece el trabajador como centro, corazón y alma de la máquina. 

Su carrera como fotógrafo culmina con el reportaje del Empire State, entre 1930 y 1931. Los encuadres son forzados y buscaba cualquier medio para encontrar la mejor fotografía. Para tomar algunas de ellas se hizo descolgar sobre la Quinta Avenida a 400 metros de altura.  Quería mostrar como “las ciudades no se construyen solas, sin tener detrás el cerebro y el sudor de los hombres”

En los últimos años de su vida Hine, habiendo plasmado durante toda su vida las desgracias e injusticias ajenas, terminó convirtiéndose en una de sus fotografías y acabó dependiendo de la beneficencia, hasta que finalmente en 1940 murió en la más absoluta pobreza. 

BANKSY

"Wall and Piece"

 I'm going to speak my mind, so this won't take very long.

Despite what they say graffiti is not the lowest form of art. Although you might have to creep about at night and lie to your mum it´s actually one of the more honest art forms available. There is not elitism or hype, it exhibits on the best walls a town has to offer and nobody is put off by the price of admission.

A wall has always been the best place to publish your work.The people who run our cities don´t understand graffiti because they think nothing has the right to exist unless it makes a profit, which makes their opinion worthless.They say graffiti frightens people and is symbolic of the decline in society, but graffiti is only dangerous in the mind of three types of people; politicians, advertising executives and graffiti writers.

The people who truly deface our neighbourhoods are the companies that scrawl giant slogans across buildings and buses trying to make us feel inadequate unless we buy their stuff.

They expect to be able to shout their message in your face from every available surface but you´re never followed to answer back. well, they started the fight and the wall is the weapon of choice to hit them back.

Some people become cops because they want to make the world a better place. some people become vandals because the want to make the world a better looking place.

Voy a decir lo que pienso, así que esto no tomará mucho tiempo.

A pesar de lo que se dice graffiti no es la forma más baja de arte. Aunque puede que tenga quearrastrarse por la noche y se encuentran a su mamá en realidad es una de las formas de arte más honestos disponibles. No es elitismo o bombo, que exhibe en las mejores paredes de una ciudad tiene que ofrecer y nadie se deje intimidar por el precio de la entrada.

Una pared siempre ha sido el mejor lugar para publicar su trabajo

Las personas que dirigen nuestras ciudades no entiende el graffiti porque piensan que no tiene derecho a existir si no obtiene un beneficio, lo que hace que su opinión vale nada.

Dicen que el graffiti asusta a la gente y es un símbolo de la decadencia en la sociedad, pero el graffiti es peligroso solamente en la mente de los tres tipos de personas, políticos, ejecutivos de publicidad y los escritores de graffiti.

Las personas que realmente desfiguran nuestros barrios son las compañías que garabatean frases gigantes a través de edificios y autobuses intentando hacernos sentir inadecuados a menos que compre sus cosas.

Ellos esperan ser capaces de gritar su mensaje en la cara de todas las superficies disponibles, pero nunca se le siguió a contestar. Así, empezaron la lucha y la pared es el arma de elección para devolver el golpe.

Algunas personas se convierten en policías porque quieren hacer del mundo un lugar mejor. Algunas personas se vuelven vándalos porque la quieren hacer del mundo un lugar mejor aspecto.

ARTE URBANO EN EL INSTITUTO CERVANTES

GRAFIKA ha recogido durante cuatro meses, varias obras de algunos de los artistas de la cultura urbana Española. Las calles son su estudio y su taller y los muros sus lienzos.

Sin embargo, aun siendo ese el comienzo, muchos conquistan ya las salas de exposiciones y galerías. 

Esta vez han conquistado el Instituto Cervantes y lo han hecho desde el 7 de Octubre hasta enero. Tuvo incluso que ser prorrogada una semana más gracias al aforo que consiguió. 

Éstos fueron los artistas participantes: Rorro Berjano, Javier Calleja, Álex Castañeda, EME, Eltono, Fernando Elvira, Freak La Notte, Nuria Mora, Sergio Mora, Daniel Muñoz (SAN), Nano 4814, El niño de las pinturas, Okuda San Miguel, Ima Picó, Silvia Prada, Carlos Orta, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J. J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, Suso33, Antón Unai y Zosen.

Si os la perdisteis, aquí tenéis algunas fotografías:

BOAMISTURA

Hace unos días, visité el estudio de unos de los grandes del mundo del arte. No, no estoy hablando de escultores, ni de pintores, ni literatos o poetas. Hablo de un arte que combina todo eso y más. Hablo del arte urbano. Hablo de BoaMistura.

Como os decía, visité su estudio. Era un bajo, con las paredes blancas, llenas de cuadros, graffitis, dibujos… En el hall tenían un piano antiguo, precioso, un sofá y un perchero algo vintage. La sala principal era blanca también, alargada, con ventanales que daban a la calle. 

Había una mesa en el centro, su lugar de trabajo, con los ordenadores, libretas y demás. La sala estaba separada por un mueble lleno de libros y al otro lado se encontraba una mesa de ping-pong, que más adelante veremos cómo no solo es un juego para ellos, sino que en ocasiones, esa mesa, es la que tiene la última palabra sobre sus decisiones.

En el sótano, todo eran sprays, pinturas, restos de la expo de “intangible” (la podéis ver en su web), y una parte dedicada a la foto; una salita con dos fondos, flashes, focos, y un sillón. Todo lo que desearía un sótano de artistas urbanos, vamos.

Me recibieron como caballeros y se comportaron como tal. Al final de la entrevista me di cuenta de que BoaMistura no solo era grande por su arte, sino que también porque lo componías cinco GRANDES PERSONAS.

Fotos: Boamistura

Proximamente: LA ENTREVISTA. ;)

SAFARI URBANO

Del 14 al 17 de noviembre, se ha celebrado en La Casa Encendida el IX festival internacional sobre vida y ecología Urbana, Urban TV 2011. Este proyecto apuesta por acercar a la sociedad el arte urbano, que a pesar de su cercanía y accesibilidad, pasa desapercibida para la mayoría.

Para ello, La Casa Encendida se encargó de programar un “Safari-urbano”, donde Guillermo de la Madrid, experto y amante de la materia, nos guió por las calles del barrio de Lavapiés para conocer más a fondo el tema y mostrarnos algunas de las mejores manifestaciones del arte urbano.

Uno de los primeros ejemplos que vimos fue un mural de BLU. Artista e italiano, que durante su estancia en Madrid, nos dejó un recuerdo y un mensaje.

Es el escudo de la comunidad de Madrid, alterado por las continuas obras y por la tala de árboles sin control. Vemos que no hace falta pasar mucho tiempo en Madrid para darse cuenta de esas continuas obras que parecen no acabar nunca. Blu lo plasmó perfectamente.

En esa misma zona, el muro que vemos en la parte inferior de la foto de Blu, estaba intervenido en su totalidad por distintos artistas como Vota Dier, El tono o Borondo.



Nuria Mora, fue una de las protagonistas del Safari. Vimos muchos ejemplos suyos, ya que por así decirlo, es su barrio y es donde más ejemplos de su arte podemos encontrar. Sus pinturas son generalmente geométricas, adaptándose perfectamente al espacio donde pinta. Suele jugar también con la mezcla de geometría y naturaleza, especialmente las flores, hojas, ramas… Es una forma de arte urbano poco común y a la vez interesante.

Uno de los ejemplos de Nuria más antiguos en Madrid.

A la izquierda, El Tono, de nuevo motivos geométricos. Este en concreto, inspirado en un diapasón.

En la calle del Espino vemos otro ejemplo de Nuria, que a pesar de ser uno de los más recientes, parece que la lluvia y el ajetreo de la ciudad han hecho mella en él. Ya no se pueden ver, pero aparte de la geometría, flores y hojas propias de Nuria, había también unas flores en relieve que sobresalían de la pared y le daban aun más realismo.

Esta es una obra de Borondo y Yeti en la calle Tribulete, algo escondida y poco visible, sin embargo, cuando ves algo así ya no pasa desapercibida y se convierte en una calle, que si te gusta el arte urbano, debe ser visitada sí o sí. Podemos ver también un ejemplo de Wolf y el astronauta, primer habitante de esta pared.

Este “oso y madroño” algo diferente al que solemos imaginarnos, está justo en la pared continua de la mujer de Borondo y Yeti. No me atrevo a explicar muy bien su significado, pero me llamó tanto la atención que aunque no estuviera en el programa de Safari, no pude evitar hacerle una foto. Es pequeño y sin mucha visibilidad, pero me parece que tienen un gran mensaje. Cada uno que interprete lo que vea. 

Mujer pintada en el muro de la Casa de mujeres autogestionada, Eskalera Karakola. Obra de Bastardilla.

Esta es una de las obras que más me gustó y más me impresionó. Es una afrodita de Rosh, un artista valenciano que sorprende con las texturas y se identifica fácilmente por sus afroditas y su corazón. Esta afrodita la podemos encontrar en la Calle Huerta del Bayo, escondida tras esas rejas, pasando muchas veces desapercibida.

Borondo deja los sprays a un lado y toma el cristal como lienzo. 

Un ejemplo de que el arte urbano no es solo graffiti. Es color, es arte.

Y aquí terminó nuestro safari, pero aún quedan muchos muros que recorrer y muchas obras que descubrir. Empecemos a caminar fijándonos en lo que tenemos a nuestro alrededor. Empecemos a caminar viendo Arte.

Más fotos de arte urbano aquí: http:/http://patriciamunoz.smugmug.com//patriciamunoz.smugmug.com/