Entrevista a Andy Warhol, el loco que tocó con los dedos la genialidad.

Como no podía ser de otra manera, Andy me citó en La Fábrica. Había visto mil veces este lugar en fotos, pero en persona me pareció incluso mejor. Las paredes cubiertas de papel de estaño y los espejos rotos me miraban de frente y parecían no ser conscientes de lo que habían presenciado durante algunos años. Estaba allí, sentada en uno de los sillones de The Factory, el escenario de creación no sólo de obras legendarias sino de performance, encuentros y fiestas que superan exponencialmente cualquier episodio de Gandía shore.

Un café con Luis Ramiro en La Latina

Como no podía ser de otra manera, esta entrevista tuvo lugar en La Latina, barrio de nuestro protagonista y escenario y fuente de inspiración de alguna de sus canciones.

A la luz de un sol madrileño y con temperaturas “veroñales”, Luis me recibe en una terraza con un café solo con hielo y una paella por tapa.

Se muestra tranquilo, algo tímido y curioso por el medio para el que realizo la entrevista. Al descubrir que estuve en Cracovia de Erasmus, se le abren los ojos y confiesa que justo la noche anterior estuvo leyendo una parte del libro La doctrina del Shock, de Naomi Klein, en la que habla de la transición de Polonia y que le gustaría saber la continuación de aquello, “paranoias mías”, bromea.

Le pregunto por su experiencia como poeta, como autor de su primer libro de poesía Te odio como nunca quise a nadie.

¿Cómo te sientes más cómodo; ante un folio en blanco o en el escenario ante la guitarra, el micro y tu público?

Luis Ramiro: Estoy a gusto de las dos formas, pero es diferente. Cuando estoy escribiendo, estoy solo y me siento cómodo, pero sabes que ese poema no lo va a cantar nadie. Cuando compongo, tiene un componente añadido que lo hace más bonito aún y es que sabes que no se va a quedar en el papel sino que la vas a cantar. Me encanta cuando sale un buen poema, pero me emociona más cuando sale una buena canción. Aunque haya escrito un libro de poesía o vaya a escribir más, en realidad, a lo que me dedico es a la música. 

¿Una buena canción como cuál? ¿Con cuál te quedas?

L.R.: Es complicado quedarse con una. Estoy orgulloso de varias, pero me quedaría con Perfecta o Relocos y recuerdos, canciones que le gustan a la gente y que creo que quedaron redondas.

Luis es un tanto ecléctico, muy abierto musicalmente hablando. “Escucho de todo- asegura-, escucho música desde que nací y siempre muy diferente” Y es que este cantautor con aire bohemio e interesante, perteneció en su juventud a grupos de death metal, hasta pop gótico, pasando por otros de fusión de reggae y rumba.

“Ahora escucho mucho a Paolo Nutini, un cantautor escocés muy famoso en Inglaterra, pero, desgraciadamente, en España no se le conoce. Es una maravilla.” Confiesa que siempre tiene tres discos que escucha durante una temporada y que después va variando incluyendo algunos más antiguos con cosas más nuevas que desconoce y que le interesan. “Ahora estoy con Paolo, Lana del Rey y Tom Waits”.

Sin embargo, los grupos de ámbito nacional son con los que ha crecido y los que han marcado los momentos importantes de su vida y, por tanto, con los que se queda. “A Extremoduro les vi por primera vez hace 22 años, en la sala Canciller. Yo tenía 16 años y recuerdo haber vivido mi adolescencia escuchando sus canciones.” Se considera también un gran admirador de Love of Lesbian y es que, aparte de grandes artistas, “son majísimos”.

Otro de sus grupos preferidos es La Buena Vida, un grupo vasco considerado, junto con Los Planetas, fundadores del movimiento indie.

Es salir la palabra indie y al de Villaverde se le vuelven a abrir los ojos, como si lo estuviera esperando, y seguidamente dice: “Cuando antes hablabas de algo indie, era porque se trataba de grupos independientes, de ahí la palabra -explica. Y algo indignado continúa- Ahora lo indie no es indie porque tiene apoyo de las multinacionales. Aunque ese grupo no salga en los 40, sale en Radio3, tienen un apoyo de cartelería y publicidad en revistas, periódicos… Con lo cual no eres indie, eres comercial”.

No. Luis no está en contra del movimiento indie, pero asegura que si realmente quieres vivir de tu música, necesitas, en parte, venderte y promocionar tu trabajo más allá del boca a boca. “El 99% lo hacemos. Solo un 1% consigue ser indie de verdad”.

Entre risas zanja el tema con cierto tono de admiración confesando: “¡Extremoduro sí que era indie, haciendo crowdfunding antes de que existiera internet!”

Ya son 10 años los que Luis Ramiro lleva dedicando sus días y sus noches a la música. Diez años llenos de esfuerzos, barreras y, a la vez, recompensas y gratificaciones. Algunas de la talla de Luis Eduardo Aute, Carlos Chaouen, Pedro Guerra o Ismael Serrano. “Ver cómo Aute canta una canción mía, elegida por él, es algo muy especial que no puedo describir bien. Para mí Aute es una institución, uno de los maestros de la historia de la música de España y que él me dijera que Annie Hall le parecía una canción muy buena, es un motivo de orgullo muy grande que no olvidaré nunca. Fue increíble escucharla en su voz”.

En tu Canción Definitiva dices algo como: No quiero estar desnudo para que me veáis por dentro. ¿Cómo es el Luis Vicente Ramiro al desnudo, qué esconde el Luis Ramiro de los escenarios?

L.R.: En el escenario adopto un papel que no tiene nada que ver con lo que soy realmente. Ya lo decía Urquijo en la canción de los secretos: Cómo explicar que me vuelvo vulgar al bajarme de cada escenario. Cuando nos bajamos del escenario, todos somos vulgares. En realidad, soy súper tímido, frío y retraído. Sin embargo, en el escenario me sale una vena cómica que solo la tengo con mis amigos íntimos. Al principio lo pasaba muy mal tocando delante de la gente; me temblaban las piernas, las manos y todo y pensé que no podía dedicarme a eso. Y poco a poco me fui acostumbrando. Veía que al contar un chiste, la gente aplaudía y se reía y el ambiente se distendía. Creo que lo cogí como mecanismo de defensa para acostumbrarme…Soy como lo contrario de Ivan Ferreiro, que es un amor, súper cariñoso, humilde y cada vez que me ve, me abraza. Es un amor de persona, de verdad, es increíble.

Ese mismo tema hace referencia a una canción que te hizo morir estando vivo. ¿Qué canción fue?

L.R.: Creo que Exit Music, de RadioG. Tengo el recuero de la primera vez que la oí. Llevaba un discman por la calle y me tuve que parar para escucharla. Se me pusieron los pelos de punta, me puse a llorar y me elevé por completo.

Comenta que con Peces de ciudad, de su compositor por excelencia, su Sabina, le ocurrió algo parecido. “Con la canción Cuando era niño, de Serrat o Aquellas pequeñas cosas lloro siempre, no puedo evitarlo”. 

La fama de cantautor nunca ha ido de la mano de la fidelidad, así que quise ir al grano y preguntarle personalmente.

Si tienes 100 canciones que hablan de mujeres diferentes, y supuestamente las canciones de los cantautores se basan en experiencias… significa que te has acostado con más de un centenar de mujeres?

L.R.: Qué va. La fama esa de golfo de los cantautores no es del todo cierta. Por ejemplo, yo tuve una novia a la que le escribí más de 50 canciones de amor, de desamor… Así que las cuentas no salen. Un escritor dijo que solo se necesita un desamor para escribir libros de amor durante toda la vida. La gente piensa que todo es autobiográfico, pero no siempre. Suele haber también medio verdades.

Y para terminar… un tema polémico pero de plena actualidad. ¿Qué opinas de la situación política actual? ¿Y de Podemos?

L.R.: Pienso que falta moral en la clase política y que nos han estafado. Eso sí, esos que nos han estafado, los poderosos, piensan que la situación en la que vive un país se puede perpetuar, pero la gente termina cansándose de una forma o de otra. Nadie pensaba que el imperio romano iba a caer, y el imperio terminó cayendo.

Por ese sentimiento de cansancio y hartura surgió Podemos. Yo he votado a Podemos en las elecciones europeas y, de momento, pienso votarles en las generales. Ahora, desde los medios de comunicación se les demoniza y se les acusa de que sus propuestas son imposibles. Lo que pienso es que cuando algo parece más humano y más sensato se dice que es irreal. Y lo que es irreal es que el 50% de los jóvenes de este país no tengan trabajo. Puedo ponerles pegas, pero puedo ponerles muchas más a los partidos ya existentes. De momento son los que me convencen más. Yo no me caso ni con Podemos ni con nadie, pero al menos es algo diferente y lo menos malo del momento.

Y así es como el de San Cristóbal terminó su café solo, respondiendo sin miedo y con decisión. Apago la grabadora y, como siempre ocurre cuando se apagan los focos, Luis me lanzó una exclusiva. Pero no olvidemos que la deontología es una de las protagonistas de nuestra profesión y que la ética periodística me obliga a guardar, con mucho gusto, ese off the record que Luis Ramiro nos regaló.  

Pejac, el Banksy Español

Muchos le comparan ya con el famoso Banksy y es que sus trazos simples mezclados con el trasfondo complejo y lleno de crítica de sus obras, hacen que su impronta recuerde a la del británico.

Se trata de Pejac, un artista nacido en Santander pero formado en la facultad de Bellas Artes de Salamanca, Barcelona y Milán.  Al contrario que muchos artistas urbanos, que comienzan en los muros y acaban exponiendo en museos, Silvestre Pejac, comenzó entre las paredes de las galerías y terminó saliendo de ellas para pintar a pie de calle.

“La calle es el mejor escenario para acercar el arte a la gente que por los motivos que sea, nunca ha puesto un pie en un museo o en una galería de arte", asegura el Santanderino en una entrevista.

Milán y algunos profesores demasiado rígidos con sus ideas sobre el arte, fueron quien despertaron su interés por el Street art, sin embargo, no fue hasta 2009 que comenzó a tomar las ciudades como lienzo. Moscú, París, Estambul, Londres, España o Portugal son algunos de los países donde ya ha dejado su huella y parece que el artista guarda en esa lista muchos más renglones.

Las imágenes de Pejac lucen un equilibrio perfecto entre la sencillez de los trazos y la complejidad de la técnica. Un mundo que se escurre por la acera y se cuela por una alcantarilla, unos barrotes de celda que se recogen a modo de cortina, ladrillos que se convierten en ramas… Obras llenas de melancolía y humor, con una gran dosis de crítica y un pequeño toque de ironía que invitan al espectador a pararse y reflexionar sobre distintos temas.

El proceso de creación de sus obras, tiene lo mínimo de azaroso y espontáneo. Según cuenta, primero reflexiona, piensa en la imagen y después de haber barajado diferentes formatos y soportes, busca el escenario perfecto para materializarla.

Pinceladas precisas con la cantidad perfecta de sencillez que dan como resultado un lenguaje poético que "huye de la belleza simple y busca la esencia en la cara oculta de las cosas”.

Uno de los ingredientes más importantes en el arte urbano, es remover conciencias y en eso, Banksy es experto. Es quizá por eso, por lo que ahora, a este artista español, le comparan con él, porque al igual que el británico, remueve a la vez que cautiva. 

Okuda, entrevista a un artista urbano

A pesar de haber nacido en Santander, se siente madrileño. Asegura que es la ciudad más viva de España y después de haber pasado algunos años en ella, estudiando Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, decidió quedarse y ser adoptado por la capital.

Oscar San Miguel Erice empezó con el graffiti más puro; spray en mano y pintando fábricas abandonadas y vías de tren. Sin embargo, ahora, es fácil encontrar obras suyas en las mejores galerías del país y de más allá de nuestras fronteras. La última ha sido la Galería Kreisler, una de las más veteranas de Madrid, que ha celebrado su 50 aniversario con una exposición que recoge 12 de los artistas urbanos más importantes del panorama actual, entre ellos Okuda.

Cientos de rincones del mundo han sido ya conquistados por su amplia gama cromática y es que sus geometrías son la firma perfecta para reconocer a simple vista cualquiera de sus obras.

Confiesa que esas geometrías "son una evolución natural de sus primeras letras, una trasformación de ellas en triángulos y rombos que terminaron convirtiéndose en las arquitecturas de ahora".

Es ahí donde nace su estilo Surrealista Pop Moderno -así lo define él-, "donde no importa la identidad del individuo y donde los seres deambulan en arquitecturas efímeras de colores que se mezclan con geometría y partes orgánicas grises", explica.

Okuda ha conquistado decenas de países, pero reconoce, que quizá India o África han sido los más difíciles en los que ha trabajado. Por ello, comenzó con Signal Series, un conjunto de intervenciones que toman como lienzo las señales de tráfico en aquellas ciudades con excesiva seguridad o restricciones o en zonas rurales abiertas sin paredes que pintar.

  

Señales, puestos de helados, suelos, estaciones de metro… toda superficie es propicia para infiltrar algo de color y, en todas – reconoce el artista- se siente cómodo. "Me encanta ir variando y cambiar de formatos y superficies pero la pared siempre me ha dado más tranquilidad ya que es de donde vengo; de la calle", dice.

México, Portugal, China, Alemania, Bulgaria, Francia, Jordania… Pero Okuda se queda con su experiencia en Tennessee, al sur de los EEUU y en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, donde dio color a un edificio del barrio de Woodstock que es ahora hogar de Side Street Studios, un espacio que alberga 30 artistas jóvenes provenientes del arte callejero. "Capetown y Tennessee han sido los mejores escenarios en los que me he encontrado pintando. En Ciudad del Cabo, oía los rezos musulmanes mientras trabajaba y en Tennesse me encontré pintando, en medio de la naturaleza, yo solo… Fue muy especial". 

           

Y es que, después de preguntarle acerca de su obra y trayectoria, no pude evitar sacar el tema que siempre está presente en este mundo del arte callejero: Graffiti vs Arte urbano. Y esto fue lo que contestó:

P: ¿Es preciso que un artista urbano comience siendo grafitero?

R: No tiene porque. Lo interesante es que cada uno haga su camino personal, distinto a todo, que marque la diferencia, venga de donde venga.

P: ¿Dónde empieza el artista y donde acaba el grafitero? ¿Es compatible grafiti y arte urbano? ¿Es lo mismo? ¿En qué se diferencian?

R: Por supuesto que no son lo mismo. El grafiti se centra más en las letras y en la técnica, sin embargo, el arte urbano quizás mira más allá. Abarca un término más amplio. Yo, por ejemplo, empecé solo pintando letras pero poco a poco me fue interesando más el hecho de expresar, de trasmitir… Quizás porque tengo más influencias del arte clásico que del street art.

P: ¿La ilegalidad y el haberse criado en la calle es incompatible a exponer en grandes museos o galerías?

R: No tiene por qué, de hecho en todas las grandes ferias de arte del mundo hoy en día, el Street art, tiene una representación importante. Digamos que los artistas de la calle son una parte relevante hoy en el arte contemporáneo.

P: ¿Se puede vivir del arte?

R: Creo que sí, pero tú no lo decides. Primero debes elegir tu camino personal y crecer como artista, pero sin finalidad de vivir de ello. Después…el tiempo dirá. Lo que sé es que las cosas que se hacen de verdad, al final dan sus frutos, en todos los sentidos.

P: ¿Crees que el grafiti está teniendo más aprobación por las instituciones por interés cultural o simplemente lo hacen para mejorar su imagen?

R: No sé… Creo que más por mejorar su imagen, no por cambiar las cosas de verdad.

P: ¿Colaboraciones o mejor pintar en solitario?

R: Depende. Normalmente me he desarrollado y he crecido pintando solo, pero con ciertos artistas con los que tengo mucha conexión como REMED, sí que hemos hecho grandes cosas juntos.

P: Imagina que alguien que nunca ha oído hablar sobre arte urbano, te pregunta qué es. ¿Qué contestaría Okuda?

R: Es el arte más sincero y sin filtros, ya que está en la calle. Es comunicación directa con todo tipo de públicos, no solo al que le interesa el arte, sino con todos, niños, mayores… Es un arte que va más allá de museos y galerías. 

ENTREVISTA CON BOAMISTURA

El día anterior a la entrevista con BoaMistura, asistí a un coloquio en La Casa Encendida donde pudimos ver el documental de Banksy y comentarlo con los invitados a la mesa; Nuria Mora y Sue como artistas urbanos, Fernando Figueroa y Javier Abarca como expertos en arte urbano, y Mario Suárez, periodista y moderador del coloquio. En realidad, comentamos poco acerca del documental, el tema se desvió y tocó algunos de los puntos más polémicos del graffiti, como el hecho de que si un artista urbano puede a la vez ser artista de galería y no perder prestigio.

Fue uno de los temas que más me llamó la atención y quise saber lo que opinaban los chicos de BoaMistura.

JAVIPAHG: El arte urbano es algo que está surgiendo hoy, que no ha surgido ayer y que seguirá surgiendo mañana. El arte urbano, en el panorama actual, se está abriendo a diferentes campos. No es lo mismo un chico de 15 años que firma en la pared que la gente que ya tiene una formación académica, que es algo más mayor y que tiene unas necesidades básicas, como pagar facturas.

Nosotros por ejemplo, somos cinco y por tanto nuestro perfil es más versátil. Hacemos tanto diseño gráfico (Pereza, Dani Martín o Chambao), como colaboraciones con arquitectos (la última en Noruega con Ecosistema Urbano), y a parte vendemos cuadros o hacemos exposiciones.

En cambio, hay gente en el arte urbano, que prefiere dedicarse a la vez al arte urbano y a otros trabajos totalmente alejados al tema gaffiti.

Si que diría que nuestro núcleo y nuestra raíz y lo que nos ha dado trabajo ha sido la calle. Pero no puedes pretender vivir sólo de eso.

PURONE: Puedes vivir nutriéndote del arte urbano, te da visibilidad, renombre y repercusión, que hace que te quieran para otros proyectos, pero vivir siendo sólo artista urbano…no. No hay dinero que compre una pared.

JAVIPAHG: Es un poco la historia del arte. Antiguamente, eran los mecenas los que pagaban las obras de los artistas para la nobleza y demás, ahora en el siglo XXI esos mecenas se llaman MARCAS.

DERKO: El capital ha cambiado de manos porque el sistema financiero ha cambiado y trabajas para aquellos que tienen dinero. El arte no es una necesidad básica, es un lujo. En la pirámide de Maslow están primero las necesidades básicas como alimentarse, después las de seguridad, en tercer lugar el ser aceptado por la sociedad, la cuarta aceptarse uno mismo y la última los placeres y el lujo es decir, es algo de lo que puedes prescindir. Y el arte está en ese último escalón, donde tú decides que hacer con él, si prescindir o no.

¿Qué me decís de Banksy?

JAVIPAHG: Banksy a nivel mundo, es como Muelle en Madrid: el pionero. Maneja técnicas muy irónicas y súper divertidas. Ha cogido tanta dimensión que ya mucha gente empieza a menospreciarle porque ahora es “un vendido”.

Es como la música indie, que es indie cuando no vende y cuando vende y es el mismo grupo…

JAVIPAHG: Por cierto, aprovecho para decir que los periodistas, a veces, eligen el titular más llamativo para conseguir más público que lo lea, pero en ocasiones esos titulares no nos han beneficiado mucho…

Nos han denominado en alguna ocasión como los Banksy Españoles y no nos ha gustado mucho. Primero porque generas problemas con los otros artistas urbanos y segundo porque no creemos que seamos como Banksy. De hecho pensamos que somos muy distintos. El trabaja con una ironía totalmente diferente a la nuestra. En definitiva, no nos gusta que la prensa trate al arte urbano de esa forma “amarilla”.

Vosotros, por lo que veo  lo habéis elegido como forma de vida. ¿Cómo comenzasteis a pintar? ¿Cuáles fueron vuestros comienzos?

PURONE: Nosotros (refiriéndose a Javi  y él) nos conocemos desde los cuatro años y a Arkoh y Derko les conocimos con 16 años más o menos. Empezamos con un grupo de rap y después empezamos a pintar por nuestro barrio. -La Alameda-

Vimos pintar a OZM desde pequeños, toda la vida. Eran la generación mayor que nosotros. Eran los mejores, eran nuestros ídolos. Llegaron los veintitantos y dejaron de pintar. rDick seguía pintando solo, y es cuando se enganchó con nosotros. Y desde hace 10 años hasta aquí.

JAVIPAHG: En nuestra adolescencia, venias a Madrid Centro una vez a la semana, a pillar discos al Madrid Rock y a pillar botes. Un “alamedo” salía de la alameda una vez a la semana.

DERKO: Nos hemos criado pintando murales en la Alameda. Nos fuimos conociendo los cinco y vimos que había buen rollo para seguir adelante.

¿Cuales son vuestras influencias e ídolos?

PURONE: Nuestra influencia y nuestros ídolos hablando desde la admiración a su trabajo, somos nosotros cinco. Hay gente del mundillo que te gusta más o menos su trabajo, pero influencia directa no tenemos. Crecimos viendo a OZM y resulta que acabamos con uno de sus componentes.

JAVIPAHG: Además cuando nosotros empezamos, el graffiti era algo muy local. No había una difusión como ahora con internet y las influencias y los ídolos tenías que verlos con tus propios ojos. Si tuviéramos que decir alguno, sería rDick.

DERKO: Si es verdad que hay estilos o personas que te gustan más y te preocupas más de seguirlos. No es tanto influenciarte, sino tener una visión más global.

Hablando de vuestros comienzos… ¿Recordáis vuestro primer graffiti? ¿De todos los que habéis hecho, con cual os quedaríais, cuál es vuestro preferido?

PURONE: Si. Nuestro primer graffiti fue en la Gloria fuertes, una de las calles que sube, ahora son chalets, pero antiguamente era una residencia con un muro de cuatro metros. Recuerdo que nos juntábamos los domingos a pintar con el grupo de rap y con rDick pero sin ser todavía BoaMistura.

DERKO: Ahí se ve en realidad lo que es graffiti: Distintas personas compartiendo un muro y desde ahí cada uno hace lo que quiere. Lo que nos diferencia a nosotros del resto es, que hemos aprendido a convivir y hemos aprendido a ser solo una persona. Todos los proyectos parecen de uno, y son de todos, de los 5.

PURONE: En cuanto al preferido… El último que has hecho generalmente es el que más cariño tienes. Ahora mismo Sudáfrica por ser el ultimo y por la experiencia humana es el preferido, junto con el de Berlín. Por todo; desde el enclave, el tamaño, la ciudad...

DERKO: Me quedo con la instalación de “El Orden es Intangible”.

¿Cómo elegís el lugar donde anclar vuestros graffitis?

JAVIPAHG: Lo que intentamos siempre es vincular nuestra obra al lugar donde se ancla. Los cuadros puedes descolgarlos y moverlos hasta la otra punta del mundo, pero una obra que está en un muro no.

La obra de Berlín está ubicada frente al muro. Nosotros, días antes del aniversario de la caída, hicimos el mural de dos personas desnudas abrazadas, una tatuada del este y otra del oeste, como celebrando ese encuentro de esa separación absurda que habían sufrido. Era como el reencuentro. Además la fachada era de un hotel y tenía aun más significado.

Y cuando hacéis esos murales, ¿De dónde sale la inspiración?

DERKO: La inspiración es el resultado del debate, de una exposición de ideas, de una criba... Te puede venir desde haberse tomado un café y haber tenido una conversación interesante, hasta de un cuadro, una canción o una novela.

La inspiración por tanto, hemos dicho que es resultado de un debate… ¿Cómo se ponen de acuerdo un ingeniero de caminos, dos de bellas artes, un publicista y un arquitecto?

DERKO: En cada proyecto hay una fase inicial de discusión y propuesta de ideas. Es más debate que discusión. Es una discusión sana. Una idea te lleva a la otra, todo el mundo aporta algo para algo común. A lo mejor no es lo mejor del mundo pero, si 5 cabezas, cinco mentes totalmente distintas,  se han puesto de acuerdo y han llegado a una conclusión… esa idea mala mala, no puede ser.

JAVIPAHG: Y si no hay consenso… (se ríe) las decisiones las tomamos jugándonoslas a los chinos. ¡Y lo que salga va a misa! Y si no, un partido de ping-pon, y quien gane... decide. ¡Y así nos van las cosas!

Boa Mistura, ¿por qué?

JAVIPAHG: Es buena mezcla en portugués. En el mundo del grafiti todo eran siglas o anglicismos y decidimos romper un poco con eso y aunque buscamos en castellano, Boamistura nos gustaba muchísimo.

El nombre ha sido un poco premonitorio, porque cada uno somos distintos y nos juntamos para hacer algo en común, una sola cosa, una BoaMistura. Llega un momento en el que estás trabajando y cada uno aporta lo suyo y cuando te preguntan, no sabes decir donde acaba tu trabajo y empieza el de tu compañero.

PURONE: Además en Sudáfrica, los nombres tienen significados. Cada africano tiene muchos nombres; si por ejemplo el día en el que nace, llueve mucho, se llama lluvia, y después la madre le pone otros nombres para que luego él los desarrolle a lo largo de su vida. Nosotros estuvimos con dos chicos de Zimbaue y uno se llamaba Congregación y Fortaleza y otro Prosperidad y conviviendo con ellos te dabas cuenta de que realmente eran como sus nombres indicaban.

Es algo bonito ver como Boa Mistura, también está creciendo y desarrollándose acorde a su nombre.

Contadnos como ha sido la experiencia en Sudáfrica.

JAVIPAHG: Casualidades de la vida. Fue a través de un encuentro entre un galerista sudafricano y una amiga nuestra Arquitecto. Ella habló de nosotros y resulta que ya nos conocían por lo que habíamos hecho en Berlín. Les gustó la idea y nos llamaron. Tenían un proyecto de una residencia y nos dijeron que teníamos techo y paredes, que fuéramos cuando quisiésemos. Vivimos en una fábrica, en Woodstock, un barrio de la periferia de Ciudad del Cabo. Muy degradado.

PURONE: Vuelves tocao. Fue además peligroso, porque en esas sociedades los blancos no podían entrar y eran mal vistos, sin embargo a través de los críos, las madres y luego los padres, la comunidad nos fue aceptando.

¿Cómo reaccionaban al ver todos esos colores?

PURONE: Decían que les pintásemos la casa, y la de al lado. Estuvimos un mes a saco, prácticamente todos los días. Y ya no solo ahí sino en los alrededores. En una de las mayores favelas del mundo, Khayelitsha, hicimos un taller con los críos de una escuela de ciclismo.

JAVIPAHG: En la alameda estábamos haciendo un mural que pone “Imagination makes you infinite” con chicos con síndrome de Down y autismo. Primero hicimos un taller dibujando en papel y luego fuimos a la pared. Todo el fondo está pintado por ellos y nosotros solo hicimos el blanco. Fue la ostia. Un director de cine, Luis Sánchez Alba, que nos ha seguido en algunas otras ocasiones, lo estaba grabando, y justo en esos días nos ofrecieron lo de Sudáfrica. No dudó y se vino con nosotros. Sacó un documental de 60 minutos que hemos presentado hace un par de semanas en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, dónde ha tenido mucho éxito.

Libros en el mercado, exposiciones, nominaciones a un Grammy, ciudades de otros países conquistadas con vuestros grafiti, diseños de discos… ¿Qué os queda? ¿Algún proyecto futuro?

JAVIPAHG Nos queda todo. Nos queda construir algo.

PURONE: Lo que nos pasa a nosotros es que siempre estamos dando vueltas a la máquina. Haces un proyecto como el de Sudáfrica y estas pensando hacerlo en India, Colombia o Malawi. Estas haciendo la fachada de Berlín y piensas en que quieres hacerlo algo mas grande.

JAVIPAHG: Es mucho más excitante tener la idea que luego ir desarrollándola.

DERKO: En la parte más graffitera que nos queda de nuestros inicios, a parte del trabajo en la calle es ese descaro, valentía y el ansia de mas mejor y más grande siempre. Cuanto más se vea, mas me mola.

JAVIPAHG: El graffiti es autodidacta, no hay nadie que te enseñe a usar los colores a saber cómo manejar la presión, la válvula... tu aprendes de ver al de al lado y de tu propia experiencia. Por eso, nosotros eso de no tener miedo o aprender cosas que no conocemos lo tenemos ya bastante desarrollado.

PURONE: nos nominaron al grammy y no teníamos ni idea de que se podía nominar a un diseño. Ya sabes que existe eso y te picas  y quieres conseguirlo. Ya sabes que se puede y quieres ser no solo nominado, sino ganarlo. Al final son cosas que te dan un reconocimiento.

Y esto es lo que BoaMistura, es: Cinco cabezas, diez manos, y un solo corazón. Cinco “alamedos” que a pesar de estar en lo más alto del mundo del graffiti, sigue con los pies en el suelo, es su barrio y con la misma humildad de cuando pintaban en la Cala.

BOAMISTURA

Hace unos días, visité el estudio de unos de los grandes del mundo del arte. No, no estoy hablando de escultores, ni de pintores, ni literatos o poetas. Hablo de un arte que combina todo eso y más. Hablo del arte urbano. Hablo de BoaMistura.

Como os decía, visité su estudio. Era un bajo, con las paredes blancas, llenas de cuadros, graffitis, dibujos… En el hall tenían un piano antiguo, precioso, un sofá y un perchero algo vintage. La sala principal era blanca también, alargada, con ventanales que daban a la calle. 

Había una mesa en el centro, su lugar de trabajo, con los ordenadores, libretas y demás. La sala estaba separada por un mueble lleno de libros y al otro lado se encontraba una mesa de ping-pong, que más adelante veremos cómo no solo es un juego para ellos, sino que en ocasiones, esa mesa, es la que tiene la última palabra sobre sus decisiones.

En el sótano, todo eran sprays, pinturas, restos de la expo de “intangible” (la podéis ver en su web), y una parte dedicada a la foto; una salita con dos fondos, flashes, focos, y un sillón. Todo lo que desearía un sótano de artistas urbanos, vamos.

Me recibieron como caballeros y se comportaron como tal. Al final de la entrevista me di cuenta de que BoaMistura no solo era grande por su arte, sino que también porque lo componías cinco GRANDES PERSONAS.

Fotos: Boamistura

Proximamente: LA ENTREVISTA. ;)