LEWIS HINE, EL FOTÓGRAFO DE LA REALIDAD SOCIAL.

 "Quise hacer dos cosas: Quise mostrar lo que había que corregir;

quise mostrar lo que había que apreciar" Lewis Hine

Lewis Hine nace en Wisconsin en 1874. Estudió sociología y ejerció como profesor en la Ethical Culture School, donde animaba a sus estudiantes a utilizar la fotografía como un medio educativo.

Su primera compañera de viaje fue una sencilla cámara de fuelle de 13 x 18 cm, trípode inestable y flash de magnesio. 

Entre 1904 y 1909, acompañado de ella y algunos alumnos, viajó a la isla de Ellis, donde, a través de su objetivo, mostró la realidad de los inmigrantes que llegaban a Estados Unidos en busca de una oportunidad. Es en ese preciso momento, cuando Hine cayó enamorado de la fotografía y supo que su vocación era el fotoperiodismo.

Su trabajo supone un importantísimo material documental del tránsito del siglo XIX al siglo XX, sobre todo en un ambiente industrial. Ninguna de sus fotos es banal, sino que en todas y cada una de ellas narra algo. Muchas, destacando aquellas realizadas en las primeras etapas, están enfocadas a denunciar la situación del trabajador y erradicar el trabajo infantil.

Pero Hine no solo tomaba la imagen, sino que era parte de ella y acompañaba a los protagonistas en su vida diaria. Su preocupación por la realidad social de esos inmigrantes hizo que fuese más allá de las fronteras de la isla de Ellis y se metiera en las viviendas insalubres de los fotografiados, sus costumbres, sus condiciones de trabajo…

Le obsesionaba transmitir historias individuales. No quedarse en la imagen de aquella persona sino interactuar con él, seguir su recorrido y contar su historia. Continuar narrando con la imagen. 

Es eso quizá, una de las claves que explican la fuerza de sus imágenes: Retratos frontales, tomadas a la altura de los ojos, donde las miradas entre fotógrafo, cámara y fotografiado se cruzan.

En 1908 comenzó a trabajar como fotógrafo oficial para la National Child Labor Committee, organización creada para combatir con el empleo infantil. Junto a las fotografías, Hine anotaba la altura, edad y la historia laboral de cada uno de ellos mostrando, una vez más, su obsesión y preocupación de no quedarse en la mera fotografía sino conocer y mostrar la historia del protagonista.

Más tarde, tras la primera Guerra Mundial, Hine viajó a Europa acompañado de su cámara para dar testimonio de las duras condiciones de los refugiados y desplazados por la guerra, lo que ayudó a que La Cruz Roja obtuviese subvenciones para una labor humanitaria.

 

En 1919, regresa a Nueva York y vuelve a centrarse en el mundo laboral, pero esta vez desde un punto de vista más positivo, viendo al trabajador como parte esencial de la máquina. Un ejemplo es la fotografía “Mecánico de una central” de 1920, en la que aparece el trabajador como centro, corazón y alma de la máquina. 

Su carrera como fotógrafo culmina con el reportaje del Empire State, entre 1930 y 1931. Los encuadres son forzados y buscaba cualquier medio para encontrar la mejor fotografía. Para tomar algunas de ellas se hizo descolgar sobre la Quinta Avenida a 400 metros de altura.  Quería mostrar como “las ciudades no se construyen solas, sin tener detrás el cerebro y el sudor de los hombres”

En los últimos años de su vida Hine, habiendo plasmado durante toda su vida las desgracias e injusticias ajenas, terminó convirtiéndose en una de sus fotografías y acabó dependiendo de la beneficencia, hasta que finalmente en 1940 murió en la más absoluta pobreza. 

BANKSY

"Wall and Piece"

 I'm going to speak my mind, so this won't take very long.

Despite what they say graffiti is not the lowest form of art. Although you might have to creep about at night and lie to your mum it´s actually one of the more honest art forms available. There is not elitism or hype, it exhibits on the best walls a town has to offer and nobody is put off by the price of admission.

A wall has always been the best place to publish your work.The people who run our cities don´t understand graffiti because they think nothing has the right to exist unless it makes a profit, which makes their opinion worthless.They say graffiti frightens people and is symbolic of the decline in society, but graffiti is only dangerous in the mind of three types of people; politicians, advertising executives and graffiti writers.

The people who truly deface our neighbourhoods are the companies that scrawl giant slogans across buildings and buses trying to make us feel inadequate unless we buy their stuff.

They expect to be able to shout their message in your face from every available surface but you´re never followed to answer back. well, they started the fight and the wall is the weapon of choice to hit them back.

Some people become cops because they want to make the world a better place. some people become vandals because the want to make the world a better looking place.

Voy a decir lo que pienso, así que esto no tomará mucho tiempo.

A pesar de lo que se dice graffiti no es la forma más baja de arte. Aunque puede que tenga quearrastrarse por la noche y se encuentran a su mamá en realidad es una de las formas de arte más honestos disponibles. No es elitismo o bombo, que exhibe en las mejores paredes de una ciudad tiene que ofrecer y nadie se deje intimidar por el precio de la entrada.

Una pared siempre ha sido el mejor lugar para publicar su trabajo

Las personas que dirigen nuestras ciudades no entiende el graffiti porque piensan que no tiene derecho a existir si no obtiene un beneficio, lo que hace que su opinión vale nada.

Dicen que el graffiti asusta a la gente y es un símbolo de la decadencia en la sociedad, pero el graffiti es peligroso solamente en la mente de los tres tipos de personas, políticos, ejecutivos de publicidad y los escritores de graffiti.

Las personas que realmente desfiguran nuestros barrios son las compañías que garabatean frases gigantes a través de edificios y autobuses intentando hacernos sentir inadecuados a menos que compre sus cosas.

Ellos esperan ser capaces de gritar su mensaje en la cara de todas las superficies disponibles, pero nunca se le siguió a contestar. Así, empezaron la lucha y la pared es el arma de elección para devolver el golpe.

Algunas personas se convierten en policías porque quieren hacer del mundo un lugar mejor. Algunas personas se vuelven vándalos porque la quieren hacer del mundo un lugar mejor aspecto.

Sabina, Más de cien mentiras.

Si Sabina me tenía a sus pies, ahora me tiene donde él diga. En la calle Melancolía, a la orilla de la chimenea, con o sin mes de abril, con pata de palo y con traje gris. Más guapa que cualquiera, escuchando la canción más hermosa del mundo, con un Whisky sin soda, en el boulevard de los sueños rotos y hablando de Madrid. Y sin embargo… me seguiría encantando Joaquín, y así seguiría escuchándole 19 días y 500 noches.

Y una de esas 500 noches fue ayer, día 21 de febrero, en el Teatro Rialto de la Gran Vía de  Madrid. Allí me esperaban “Más de 100 mentiras” y tres horas de auténtica emoción.

David Serrano, director del musical, ha conseguido dar vida a muchos de los individuos y personajes de los que habla Joaquín en sus canciones. Ha hilado una historia de amor, de amistad, de sexo, de mentiras, traiciones, promesas y más mentiras en la que no faltan versos de por medio del poeta Joaquín. Todo esto con más de 25 canciones elegidas entre la larga historia discográfica y musical del artista.

“Las canciones de Sabina son algunas de las mejores canciones escritas en lengua castellana y no podían recibir un tratamiento convencional -dice David Serrano, director del músical- Por eso hemos escrito una historia que pocas veces se ha visto en un musical, una historia dura, de timos, llena de mentiras y con personajes que parecen haber salido directamente de sus discos: Prostitutas, delincuentes, hombres de traje gris, cobardes, héroes, canallas, colgados, apasionados y desencantados. Buena gente sin necesidad de ser gente de bien”, y confiesa que “Joaquín es uno de los autores contemporáneos que mejor a diseccionado y experimentado el alma humana, y por todo ello la responsabilidad de escribir y dirigir este musical es, evidentemente, inmensa, pero no tanto como las ganas y la ilusión” Termina deseando que “Más de 100 mentiras esté casi a la altura de las canciones del maestro”

En definitiva, un musical digno de la Gran Vía Madrileña, y digno de ese bombín que adorna la entrada al teatro y que recuerda a aquello de...

 “...que aquí he nacido, aquí quiero quedarme, pongamos que hablo de Madrid…”

Maya Hansen y su 5ª avenida.

Es decir corsé y no poder evitar pensar en Maya. Maya Hansen, es sinónimo de curvas, de cinturas de avispa, de sencillez y perfección a la vez. No hay desfile que no deje a los asistentes con la boca abierta y el aplauso en mano. Y personalmente, con unas ganas inmensas de, algún día, poder vestir una de esas obras maestras.

Y este año no fue una excepción. La pasarela de Mercedes Benz Fashion Week, recibió a Maya el 4 de febrero a las 10.30 de la mañana. A pesar de ser el primer desfile del día, la pasarela estaba al completo. Maya confesaba en una entrevista después del desfile, que “Con el frío que hacía y el madrugón, tenía todo para que los invitados se quedasen rezagados en la cama. Y sin embargo, han venido todos”, agradecía.

Esta vez, Maya nos llevó a los años 50, a la 5ª avenida de Nueva York, a los bares de Jazz, al lujo de la gran ciudad. Comenzó (como ya es habitual en sus desfiles) con un video introductorio precioso, obra de Sergio Ojeda. Me reservo las descripciones y os dejo que seáis vosotros quienes opinéis. 

La primera aparición del desfile la hizo Juncal Rivero, espectacular, como siempre, encorsetada por un vestido negro, largo, de raso y terciopelo adornado con cristales de Swarovski. No eran solo los cristales lo que brillaban en la pasarela, sino que Juncal deslumbró por sí misma con su elegancia, su carácter y su media sonrisa que lució a cada paso hasta detenerse frente a las cámaras de la prensa.

La colección 5th Avenue de Maya Hansen, ha sido esta vez más clásica y menos cañera que las anteriores. “He dado un paso más allá de los corsés puros. He procurado hacer vestidos largos, pero sin perder la técnica corsetera” decía Maya para una entrevista de la MBFW. “Me apetecía una colección más clásica ya que la anterior era muy cañera”

Esta vez, los protagonistas no fueron solo los corsés. Maya presentó una colección con trajes de chaqueta, faldas, vestidos largos y algunos incluso alejados de las ballenas y las formas rígidas tan características de Maya.

Los zapatos de la colección fueron, de nuevo, obra de Esther Calma, que ya nos conquistó en la anterior colección con sus tacones con “cola de caballo”

Anton Heunis se encargó de las joyas y Biliana Borissova de los tocados.

Y no puedo acabar sin mencionar la gran y acertadísima elección que tuvieron con la música para presentar esta colección. El jazz y el blues de los 50 conquistaron la pasarela.

Y cuando creí que ya no podía ser más incondicional de Maya, sonó en la pasarela, Billie Jean de “ÉL”, el Rey del Pop, en versión Jazz y con voz femenina. Ahí me ganó.

Enhorabuena de nuevo, Maya. Gracias por tus obras de arte  y por esa amabilidad y sonrisa constante. 

Más fotos del desfile aquí : http://patriciamunoz.smugmug.com/

Nos vemos en las pasarelas ;)

MERCEDES BENZ-MADRID FASHION WEEK

Desde el miércoles hasta el domingo, Madrid se convertirá de nuevo en la capital de la moda. Se vestirá de gala para recibir a los 44 diseñadores que protagonizarán la MERCEDES BENZ-MADRID FASHION WEEK junto con 45 diseñadores emergentes.

La antigua Pasarela Cibeles estrena nombre en su 55 edición. Mercedes será un nuevo protagonista de esta esperada plataforma de la moda. Plataforma que adelanta sus fechas para abrir el circuito mundial de las pasarelas, adelantándose a grandes eventos como el de Nueva York, París, Milán o Londres. Además así, consigue coincidir en lugar y espacio con la celebración del Salón Internacional de Moda de Madrid (SIMM).

El encargado de inaugurar la MBFW y estrenar la pasarela será, como en la edición anterior, el diseñador gallego, Roberto Verino.

La jornada se completará con la presentación de las colecciones de diseñadores como: Jesús del Pozo, Francis Montesinos, Duyos, Devota&Lomba, Victorio&Lucchino, Agatha Ruiz de la Prada y Elisa Palomino.

   - El segundo día, será el turno de Alianto, Andrés Sardá, Amaya Arzuaga, Roberto Torretta, Juanjo Oliva, Angel Schlesser, Miguel Palacio y Lemoniez.

   - El viernes 3 y tercer día de la Fashion Week, se subirán a la pasarela las colecciones de Teresa Helbig, David Delfín, Hannibal Laguna, Ion Fiz y Juana Martín con doble desfile, Ana Locking y Kina Fernandez.

Esta 55 edición no solo estrena nombre y adelanta fechas, sino que aguarda multitud de sorpresas más como la presentación, por primera vez en pasarelas, de la firma de joyería Aristocrazy. (También el viernes 3 de febrero, a las 19.30h)

  -  El sábado 4 la pasarela comenzará encorsetada por la colección de Maya Hansen y Martín Lamothe.  Le seguirán Sita Murt y TCN. Y por la tarde, Carlos Díez y María Escoté, y seguidamente Sara Coleman y María Barros. Jesús Lorenzo y Miguel Marinero cerrarán el programa de los diseñadores consagrados.

   - El domingo 5 de febrero será para los nuevos talentos del diseño, una jornada dedicada íntegramente a EGO.

Como en cada edición, EGO tendrá su propio espacio de exposición y venta al público de las creaciones de los jóvenes talentos emergentes de EGO, es el llamado Showroom.

Como ya decíamos, esta 55 edición alberga multitud de novedades. Una más es la apuesta de la Mercedes Benz Fashion Week por las redes sociales y las nuevas tecnologías. Los desfiles se podrán ver en directo a través de su nueva web: www.mbfwmadrid.ifema.es y se podrán seguir además las cinco jornadas, minuto a minuto a través de Facebook y twitter.

De nuevo, una cita con la moda que no te puedes perder.

Más fotografías de la MBFW aquí: http://patriciamunoz.smugmug.com/



ARTE URBANO EN EL INSTITUTO CERVANTES

GRAFIKA ha recogido durante cuatro meses, varias obras de algunos de los artistas de la cultura urbana Española. Las calles son su estudio y su taller y los muros sus lienzos.

Sin embargo, aun siendo ese el comienzo, muchos conquistan ya las salas de exposiciones y galerías. 

Esta vez han conquistado el Instituto Cervantes y lo han hecho desde el 7 de Octubre hasta enero. Tuvo incluso que ser prorrogada una semana más gracias al aforo que consiguió. 

Éstos fueron los artistas participantes: Rorro Berjano, Javier Calleja, Álex Castañeda, EME, Eltono, Fernando Elvira, Freak La Notte, Nuria Mora, Sergio Mora, Daniel Muñoz (SAN), Nano 4814, El niño de las pinturas, Okuda San Miguel, Ima Picó, Silvia Prada, Carlos Orta, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J. J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, Suso33, Antón Unai y Zosen.

Si os la perdisteis, aquí tenéis algunas fotografías:

ENTREVISTA CON BOAMISTURA

El día anterior a la entrevista con BoaMistura, asistí a un coloquio en La Casa Encendida donde pudimos ver el documental de Banksy y comentarlo con los invitados a la mesa; Nuria Mora y Sue como artistas urbanos, Fernando Figueroa y Javier Abarca como expertos en arte urbano, y Mario Suárez, periodista y moderador del coloquio. En realidad, comentamos poco acerca del documental, el tema se desvió y tocó algunos de los puntos más polémicos del graffiti, como el hecho de que si un artista urbano puede a la vez ser artista de galería y no perder prestigio.

Fue uno de los temas que más me llamó la atención y quise saber lo que opinaban los chicos de BoaMistura.

JAVIPAHG: El arte urbano es algo que está surgiendo hoy, que no ha surgido ayer y que seguirá surgiendo mañana. El arte urbano, en el panorama actual, se está abriendo a diferentes campos. No es lo mismo un chico de 15 años que firma en la pared que la gente que ya tiene una formación académica, que es algo más mayor y que tiene unas necesidades básicas, como pagar facturas.

Nosotros por ejemplo, somos cinco y por tanto nuestro perfil es más versátil. Hacemos tanto diseño gráfico (Pereza, Dani Martín o Chambao), como colaboraciones con arquitectos (la última en Noruega con Ecosistema Urbano), y a parte vendemos cuadros o hacemos exposiciones.

En cambio, hay gente en el arte urbano, que prefiere dedicarse a la vez al arte urbano y a otros trabajos totalmente alejados al tema gaffiti.

Si que diría que nuestro núcleo y nuestra raíz y lo que nos ha dado trabajo ha sido la calle. Pero no puedes pretender vivir sólo de eso.

PURONE: Puedes vivir nutriéndote del arte urbano, te da visibilidad, renombre y repercusión, que hace que te quieran para otros proyectos, pero vivir siendo sólo artista urbano…no. No hay dinero que compre una pared.

JAVIPAHG: Es un poco la historia del arte. Antiguamente, eran los mecenas los que pagaban las obras de los artistas para la nobleza y demás, ahora en el siglo XXI esos mecenas se llaman MARCAS.

DERKO: El capital ha cambiado de manos porque el sistema financiero ha cambiado y trabajas para aquellos que tienen dinero. El arte no es una necesidad básica, es un lujo. En la pirámide de Maslow están primero las necesidades básicas como alimentarse, después las de seguridad, en tercer lugar el ser aceptado por la sociedad, la cuarta aceptarse uno mismo y la última los placeres y el lujo es decir, es algo de lo que puedes prescindir. Y el arte está en ese último escalón, donde tú decides que hacer con él, si prescindir o no.

¿Qué me decís de Banksy?

JAVIPAHG: Banksy a nivel mundo, es como Muelle en Madrid: el pionero. Maneja técnicas muy irónicas y súper divertidas. Ha cogido tanta dimensión que ya mucha gente empieza a menospreciarle porque ahora es “un vendido”.

Es como la música indie, que es indie cuando no vende y cuando vende y es el mismo grupo…

JAVIPAHG: Por cierto, aprovecho para decir que los periodistas, a veces, eligen el titular más llamativo para conseguir más público que lo lea, pero en ocasiones esos titulares no nos han beneficiado mucho…

Nos han denominado en alguna ocasión como los Banksy Españoles y no nos ha gustado mucho. Primero porque generas problemas con los otros artistas urbanos y segundo porque no creemos que seamos como Banksy. De hecho pensamos que somos muy distintos. El trabaja con una ironía totalmente diferente a la nuestra. En definitiva, no nos gusta que la prensa trate al arte urbano de esa forma “amarilla”.

Vosotros, por lo que veo  lo habéis elegido como forma de vida. ¿Cómo comenzasteis a pintar? ¿Cuáles fueron vuestros comienzos?

PURONE: Nosotros (refiriéndose a Javi  y él) nos conocemos desde los cuatro años y a Arkoh y Derko les conocimos con 16 años más o menos. Empezamos con un grupo de rap y después empezamos a pintar por nuestro barrio. -La Alameda-

Vimos pintar a OZM desde pequeños, toda la vida. Eran la generación mayor que nosotros. Eran los mejores, eran nuestros ídolos. Llegaron los veintitantos y dejaron de pintar. rDick seguía pintando solo, y es cuando se enganchó con nosotros. Y desde hace 10 años hasta aquí.

JAVIPAHG: En nuestra adolescencia, venias a Madrid Centro una vez a la semana, a pillar discos al Madrid Rock y a pillar botes. Un “alamedo” salía de la alameda una vez a la semana.

DERKO: Nos hemos criado pintando murales en la Alameda. Nos fuimos conociendo los cinco y vimos que había buen rollo para seguir adelante.

¿Cuales son vuestras influencias e ídolos?

PURONE: Nuestra influencia y nuestros ídolos hablando desde la admiración a su trabajo, somos nosotros cinco. Hay gente del mundillo que te gusta más o menos su trabajo, pero influencia directa no tenemos. Crecimos viendo a OZM y resulta que acabamos con uno de sus componentes.

JAVIPAHG: Además cuando nosotros empezamos, el graffiti era algo muy local. No había una difusión como ahora con internet y las influencias y los ídolos tenías que verlos con tus propios ojos. Si tuviéramos que decir alguno, sería rDick.

DERKO: Si es verdad que hay estilos o personas que te gustan más y te preocupas más de seguirlos. No es tanto influenciarte, sino tener una visión más global.

Hablando de vuestros comienzos… ¿Recordáis vuestro primer graffiti? ¿De todos los que habéis hecho, con cual os quedaríais, cuál es vuestro preferido?

PURONE: Si. Nuestro primer graffiti fue en la Gloria fuertes, una de las calles que sube, ahora son chalets, pero antiguamente era una residencia con un muro de cuatro metros. Recuerdo que nos juntábamos los domingos a pintar con el grupo de rap y con rDick pero sin ser todavía BoaMistura.

DERKO: Ahí se ve en realidad lo que es graffiti: Distintas personas compartiendo un muro y desde ahí cada uno hace lo que quiere. Lo que nos diferencia a nosotros del resto es, que hemos aprendido a convivir y hemos aprendido a ser solo una persona. Todos los proyectos parecen de uno, y son de todos, de los 5.

PURONE: En cuanto al preferido… El último que has hecho generalmente es el que más cariño tienes. Ahora mismo Sudáfrica por ser el ultimo y por la experiencia humana es el preferido, junto con el de Berlín. Por todo; desde el enclave, el tamaño, la ciudad...

DERKO: Me quedo con la instalación de “El Orden es Intangible”.

¿Cómo elegís el lugar donde anclar vuestros graffitis?

JAVIPAHG: Lo que intentamos siempre es vincular nuestra obra al lugar donde se ancla. Los cuadros puedes descolgarlos y moverlos hasta la otra punta del mundo, pero una obra que está en un muro no.

La obra de Berlín está ubicada frente al muro. Nosotros, días antes del aniversario de la caída, hicimos el mural de dos personas desnudas abrazadas, una tatuada del este y otra del oeste, como celebrando ese encuentro de esa separación absurda que habían sufrido. Era como el reencuentro. Además la fachada era de un hotel y tenía aun más significado.

Y cuando hacéis esos murales, ¿De dónde sale la inspiración?

DERKO: La inspiración es el resultado del debate, de una exposición de ideas, de una criba... Te puede venir desde haberse tomado un café y haber tenido una conversación interesante, hasta de un cuadro, una canción o una novela.

La inspiración por tanto, hemos dicho que es resultado de un debate… ¿Cómo se ponen de acuerdo un ingeniero de caminos, dos de bellas artes, un publicista y un arquitecto?

DERKO: En cada proyecto hay una fase inicial de discusión y propuesta de ideas. Es más debate que discusión. Es una discusión sana. Una idea te lleva a la otra, todo el mundo aporta algo para algo común. A lo mejor no es lo mejor del mundo pero, si 5 cabezas, cinco mentes totalmente distintas,  se han puesto de acuerdo y han llegado a una conclusión… esa idea mala mala, no puede ser.

JAVIPAHG: Y si no hay consenso… (se ríe) las decisiones las tomamos jugándonoslas a los chinos. ¡Y lo que salga va a misa! Y si no, un partido de ping-pon, y quien gane... decide. ¡Y así nos van las cosas!

Boa Mistura, ¿por qué?

JAVIPAHG: Es buena mezcla en portugués. En el mundo del grafiti todo eran siglas o anglicismos y decidimos romper un poco con eso y aunque buscamos en castellano, Boamistura nos gustaba muchísimo.

El nombre ha sido un poco premonitorio, porque cada uno somos distintos y nos juntamos para hacer algo en común, una sola cosa, una BoaMistura. Llega un momento en el que estás trabajando y cada uno aporta lo suyo y cuando te preguntan, no sabes decir donde acaba tu trabajo y empieza el de tu compañero.

PURONE: Además en Sudáfrica, los nombres tienen significados. Cada africano tiene muchos nombres; si por ejemplo el día en el que nace, llueve mucho, se llama lluvia, y después la madre le pone otros nombres para que luego él los desarrolle a lo largo de su vida. Nosotros estuvimos con dos chicos de Zimbaue y uno se llamaba Congregación y Fortaleza y otro Prosperidad y conviviendo con ellos te dabas cuenta de que realmente eran como sus nombres indicaban.

Es algo bonito ver como Boa Mistura, también está creciendo y desarrollándose acorde a su nombre.

Contadnos como ha sido la experiencia en Sudáfrica.

JAVIPAHG: Casualidades de la vida. Fue a través de un encuentro entre un galerista sudafricano y una amiga nuestra Arquitecto. Ella habló de nosotros y resulta que ya nos conocían por lo que habíamos hecho en Berlín. Les gustó la idea y nos llamaron. Tenían un proyecto de una residencia y nos dijeron que teníamos techo y paredes, que fuéramos cuando quisiésemos. Vivimos en una fábrica, en Woodstock, un barrio de la periferia de Ciudad del Cabo. Muy degradado.

PURONE: Vuelves tocao. Fue además peligroso, porque en esas sociedades los blancos no podían entrar y eran mal vistos, sin embargo a través de los críos, las madres y luego los padres, la comunidad nos fue aceptando.

¿Cómo reaccionaban al ver todos esos colores?

PURONE: Decían que les pintásemos la casa, y la de al lado. Estuvimos un mes a saco, prácticamente todos los días. Y ya no solo ahí sino en los alrededores. En una de las mayores favelas del mundo, Khayelitsha, hicimos un taller con los críos de una escuela de ciclismo.

JAVIPAHG: En la alameda estábamos haciendo un mural que pone “Imagination makes you infinite” con chicos con síndrome de Down y autismo. Primero hicimos un taller dibujando en papel y luego fuimos a la pared. Todo el fondo está pintado por ellos y nosotros solo hicimos el blanco. Fue la ostia. Un director de cine, Luis Sánchez Alba, que nos ha seguido en algunas otras ocasiones, lo estaba grabando, y justo en esos días nos ofrecieron lo de Sudáfrica. No dudó y se vino con nosotros. Sacó un documental de 60 minutos que hemos presentado hace un par de semanas en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, dónde ha tenido mucho éxito.

Libros en el mercado, exposiciones, nominaciones a un Grammy, ciudades de otros países conquistadas con vuestros grafiti, diseños de discos… ¿Qué os queda? ¿Algún proyecto futuro?

JAVIPAHG Nos queda todo. Nos queda construir algo.

PURONE: Lo que nos pasa a nosotros es que siempre estamos dando vueltas a la máquina. Haces un proyecto como el de Sudáfrica y estas pensando hacerlo en India, Colombia o Malawi. Estas haciendo la fachada de Berlín y piensas en que quieres hacerlo algo mas grande.

JAVIPAHG: Es mucho más excitante tener la idea que luego ir desarrollándola.

DERKO: En la parte más graffitera que nos queda de nuestros inicios, a parte del trabajo en la calle es ese descaro, valentía y el ansia de mas mejor y más grande siempre. Cuanto más se vea, mas me mola.

JAVIPAHG: El graffiti es autodidacta, no hay nadie que te enseñe a usar los colores a saber cómo manejar la presión, la válvula... tu aprendes de ver al de al lado y de tu propia experiencia. Por eso, nosotros eso de no tener miedo o aprender cosas que no conocemos lo tenemos ya bastante desarrollado.

PURONE: nos nominaron al grammy y no teníamos ni idea de que se podía nominar a un diseño. Ya sabes que existe eso y te picas  y quieres conseguirlo. Ya sabes que se puede y quieres ser no solo nominado, sino ganarlo. Al final son cosas que te dan un reconocimiento.

Y esto es lo que BoaMistura, es: Cinco cabezas, diez manos, y un solo corazón. Cinco “alamedos” que a pesar de estar en lo más alto del mundo del graffiti, sigue con los pies en el suelo, es su barrio y con la misma humildad de cuando pintaban en la Cala.